Enormes Foster the People en Razzmatazz

Lo mejor de ir a un concierto sin expectativas (y sin haber investigado para nada el directo del grupo en cuestión) es que te puedes llevar una sorpresa. Es más, te puedes llevar una grata sorpresa.  Tan grata como la del concierto de presentación del tercer trabajo de Foster the People, Sacred Hearts Club, del que salí diciendo: ¡Enormes Foster the People!

foster the people

Foster the People, siguiendo la moda de sacar adelantos de álbumes aún por publicar (Sacred Hearts Club saldrá el próximo 30 de julio), han hecho ya cuatro adelantos del álbum (si es que el EP III lo es también), uno de los cuales, ‘Loyal Like Sid & Nancy’, sirvió como pistoletazo para el inicio del concierto. Se atrevieron también con III al completo. Una lista equilibrada, con lo más representativo de los dos álbumes anteriores (Torches, 2011; Supermodel, 2014), en la que tampoco faltó un tema favorito por muchos del Supermodel (‘Coming Of Age’), y otros éxitos de su álbum debut, como son ‘Houdini’, ‘Don’t Stop’ y la archiconocida ‘Pumped Up Kicks’, de la que te das cuenta una vez más que porque sea la más famosa no tiene que ser tampoco la más representativa de la banda musicalmente hablando. No obstante, los temas de Foster the People “engañan”, pues bajo la aparente alegría y energía melódica se esconden críticas sociales contundentes, como es la del tema de marras y el mensaje que lanzó Mark Foster hacia el final del concierto.

Y hablando de Mark Foster (y obviando otros aspectos como luces y puesta en escena, pues un Razz da para lo que da y lo que da lo aprovecharon bien)… ¿es políticamente correcto decir que es el p*t* amo? ¿Me dejáis? Pues, ea. El tema es que hace nada que he hecho un curso de liderazgo y comunicación en el aula en el que se hacían paralelismos con estilos distintos de directores de orquesta. Esto es lo que me lleva a decir, aunque aplicado a un contexto distinto, que el joven de 33 años merece el título de Mark-the-Fucking-Boss-Foster. Como cualquier buen líder, es asertivo sin ser excesivamente autoritario. Además, disfruta como un niño en el escenario, lo que invita a la motivación del resto de la banda. Reconoce los talentos ajenos y los destaca en su justa medida a la vez que intenta que pasen desapercibidas las flaquezas (un botón del teclista desconectado por descuido ajeno). Su expresión inicial puede que sea un pelín seria sin llegar a la mala leche, ya que lo que transmite es una confianza exacerbada en lo que hace. No es tampoco para nada disonante con la del resto de miembros y es maleable a la situación, comunicando así su acercamiento al público a la vez que se mantenía en su isla interpretativa. Su autoridad jerárquica (para algo es el frontman) y de conocimiento se justifican con su trabajo de compositor y su calidad vocal, con la que no escatima ningún esfuerzo. Sobre su disposición, pues bien, solo hacía falta ver el sudor fruto de la pasión puesta en cada una de las frases melódicas y en el control del conjunto para ver que su disposición va más allá de montar un espectáculo e irse para casa, que mañana será otro día. Pero para mí, lo más importante de todo y que destaco de Mark Foster es que comparte una meta común con la del resto de miembros de su banda (además de seguir ganándose el pan, claro está): ofrecer un espectáculo robusto, contundente, de una maquinaria perfecta, con un trabajo detrás que no es de un día ni de dos, dejando espacio para el disfrute grupal y para la creatividad individual, dotando así a los miembros de Foster the People de una labor con significado global. Lo dicho: ENORMES.

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Depeche Mode presenten Spirit al Stadion Letzigrund

Quan una arriba a l’edat en què tenir fills està a l’ordre del dia, els plans d’anar a veure Depeche Mode a Zürich amb una teva amiga que ja ha estat partner in crime anteriorment i que per aquelles coses de la vida viu a prop de Bern, poden canviar lleugerament i convertir-se en un cap de setmana de relax en família amb un concert que apareix per allà al mig com un bolet. Així doncs, diumenge passat em trobava entre panyals, gelats i passejades amb balloons a Luzern i Bern i un concert de rock electrònic d’un trio que, també per aquelles coses de la vida, es troben en el meu top 10 d’all-time faves.

Anar a un concert fora d’Espanya és sempre una experiència en si per les regulacions i costums del país d’acollida. Així doncs, malgrat tenir seient, una servidora es plantava al Stadion Letzigrund a quarts de sis, amb una solana de justícia, per veure els teloners, que començaven, sobre el paper, a les 19h i, de facto, a les 18:55. Aquí els rellotges de precisió suïssa van fallar una miqueta. Tot això no sense abans posar-me els taps de silicona de rigor propis, tot i que, de no portar-ne, a l’entrada en tenia de disponibles, cortesia dels organitzadors. Una que és cauta es va reservar hotel a la vora de l’estadi, no fos cas que em quedés sense transport públic per les aglomeracions en un lloc poc familiar i sense dades al mòbil. No hagués calgut, però, perquè a les pantalles informatives de l’estadi apareixien també totes les combinacions possibles de transport, amb plànols a parades i combinacions de transbordament diverses. Això és Suïssa, senyors meus.

Algiers, els teloners en aquesta ocasió, em van flipar al Primavera Sound de l’any passat i per això celebrava tornar-los a veure. Aquest cop, però, no sé si per la solanera que ens obligava a tots a posar-nos la bossa de visera malgrat portar ulleres de sol, potser pel fet que malgrat tenir una audiència nombrosa la reacció d’aquesta era de ni fred ni calor (és que ni amb aquest tros de tema que és ‘The Underside of Power‘!!!), em van deixar bastant indiferent durant els primers temes.  No obstant això, a mesura que avançava el seu set de 40 minuts ben bons, vaig entendre (i crec que la resta d’assistents també) el seu maridatge amb Depeche Mode,  amb temes més obscurs, electrònics i foscos.

A les 20:15, ara sí puntualíssims, Depeche Mode apareixia davant del públic del Letzigrund Stadion, la majoria del qual concentrat a pista, amb unes xifres que crec que difícilment serien permeses aquí a Queterunya. Encara amb un sol justicier fins al setè tema, cosa que afegia un punt de psicodèlia a la situació, s’engegava el concert amb dos temes pre-gravats, ‘Revolution’ de The Beatles, fent referència al tema central de l’àlbum més recent dels d’Essex, Spirit, on es valen d’una crítica ferotge a la societat de l’evolució tecnològica i la involució patent en el conformisme davant de les injustícies (‘Where’s the revolution?‘ resaria el 12è tema del vespre/nit).

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Depeche Mode poden ser tres, però està clar que l’estrella de la nit, descarat, divertit, bromista, xulesc, amb el permís puntual de Martin Gore, ha estat sempre, és i serà Dave Gahan, amb tres canvis de vestuari, sus movimientos femenino-sepsis i la seva transformació facial progressiva en una barreja de Johnny Hallyday, Freddie Mercury i Antonio Banderas, con su barba de dos días ya de color de Santa Claus. Que als seus 55 anys segueix brillant dalt de l’escenari (amb pauses per a recuperació física ben estudiades) és inqüestionable, i que per això està també Martin Gore que, aquest cop sí, malgrat tenir el seu moment unplugged, ens va regalar ‘A Question of Lust’ i ‘Home’ en plena esplendor electrònica. Yassssssssssssss! El que no va brillar de cara a la galeria, m’atreviria dir que per no voler, i pel simple fet que diria que només va aparèixer en pantalla en directe tres vegades comptades (una, dues i tres), és Andy Fletcher. Hi ha estrelles i estrelles. Acceptable i comprensible.

Parlant de pantalles, els elements visuals d’aquesta gira no són res de l’altre dijous i, I’m sorry, però és més que previsible que enfoquin els ulls del prota en dir ‘In my eyes’ o que el vídeo projectat per a ‘In Your Room’ tingui lloc on? Ecco! Tronat, molt tronat. Per no esmentar l’excés de reverberació en alguns punts. Ja no es porta. Nope. Potser al públic, de mitjana d’edat de 45 (me sentí más joven todavía), els mola, però algú els ha de dir al tècnic de so que porten que se n’estigui una mica. Gràcies.

Els temes de Spirit (2017) van ser ben rebuts, a l’igual que els de Sounds Of The Universe (2008), amb un ‘Wrong’ amb un rotllo hip-hopper sorprenent, i Playing The Angel (2005). Ho dic simplement per callar les boques d’aquells que professen que Depeche Mode es van acabar amb Ultra (1997). Significatiu és, però, que no incloguessin ni un sol tema de Delta Machine (2012) en el set list.

Està clar, però, que no podien deixar de banda ELS temes que MAI no poden faltar dels treballs anteriors (amb el regalàs, aquest cop, de Stripped) i que van fer vibrar el Letzigrund Stadion com era de preveure (malgrat, per mi, la relliscada d’incloure la versió de ‘Heroes de David Bowie… ja no toca). Són aquests, juntament amb una inclusió sorprenent (‘Somebody’ del Some Great Reward, 1984) els que ens van confirmar per què Depeche Mode són qui són i han arribat allà on són, amb gairebé 40 anys de carrera a l’esquena (i puntualitat suïssa en acabar a les 22:30).

 

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20 Years of Placebo – Part II

Quan un grup t’agrada molt i no anuncien cap concert a la teva ciutat o rodalies, procures veure’ls on sigui, i així ho vaig fer el novembre passat amb Placebo a Antwerp. La tocada de nassos és quan mesos després t’anuncien que vénen a Barna. Qué hacer… Pues la carne es débil, claro está. La mateixa crònica que vaig escriure en el seu moment per al concert d’Antwerp aplicaria per al que vam veure aquest dijous a Razzmatazz (amb sold out tant per dimecres com per dijous).

Hi va haver, però, algunes diferències que poc tenen a veure amb l’actuació en si:

  1. Els teloners, Digital 21 + Stefan Osdal, no són terribles, sinó tremendament inescoltables. No obstant això, hi havia qui va aprofitar el revers de l’entrada per escriure un missatge per al malagueny Miguel López Mora  (aka Digital 21) que deia “Where is the album?”. Inexplicable. Episodi de Cuarto Milenio. O Quinto.
  2. Razzmatazz no té res a veure amb el Sportpaleis d’Antwerp, ni en temes de capacitat ni de qualitat de so ni, don’t take me wrong, el públic. No diré que em trobava out of place a Razz, però sí que m’apunto per a la propera vegada anar de negre i maquillada amb els ulls vermells. Perquè… per què no?
  3. Misteriosament, els fotògrafs només van estar autoritzats a fer preses durant una cançó i mitja (normalment se’ls en permet tres) i les primeres files d’assistents (léase, las tres primeras), rebien un toc d’atenció dels guardes de seguretat si en prenien ells. Inquietant.
  4. El moment tribut a David Bowie poc va tenir a veure amb els 3 minuts de standing ovation d’Antwerp. El factor temps hi fa. Molt. Si es que ya lo decían mis vecinas de San Roque Conecsion, que “no somos naide”. [sic]

Però què voleu que us digui, no hi ha res que no aguanti, suporti i superi una prèvia de sopar/berenar d’un bon entrepà de petxuga de pollastre, enciam i alvocat, que por algo me tienen bien alimentá.

Ah, Placebo, que per molts anys, i tal.

Galeria d’imatges (poques i de qualitat bastant deplorable, per raons òbvies).

Placebo fan 20 anys (Antwerp, 19/11/16)

Placebo celebren aquest 2016 vint anys de carrera amb una gira que, de moment, no passa per Barcelona. Con lo que a mí me va una fiesta y un viaje, i tractant-se d’un dels meus all-time faves, l’ocasió va tenir lloc aquest dissabte al Sportpaleis d’Antwerp (Bèlgica), amb The Joy Formidable de teloners.

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Aquesta seria una nit emotiva a molts nivells, començant pel principi, com no, amb un homenatge a Leonard Cohen amb la projecció del rostre del recentment desaparegut músic. Tot seguit, veuríem la versió alternativa (i amb fotogrames una mica desagradables) del vídeo del tema Every Me, Every You” Avid Cut 17/11/98 – Eyes version  -o “Every You, Every Me” si ho preferiu (long story)-, que forma part de les petites joies que els fans han pogut anar descobrint durant aquest any de celebració, mai abans publicades al seu canal de YouTube. Veure el vídeo va significar que ja es donava per interpretada, cosa que em va conduir inexorablement a un quasi “No os lo perdonaré jamás, Placebo. Jamás.”, però les 2h25′ següents de concert, conformades per 25 temes, compensarien aquesta mini-desil·lusió.

Brian Molko, Stefan Olsdal i la banda de gira (ja sense la bèstia de bateria que és Steve Forrest, snif, snif) sortirien per desgranar el concert, que tindria clarament dues parts. La primera, qualificada pel propi Brian Molko com de “melancòlica”, abastaria les 16 primeres cançons, de les que no em puc deixar de destacar, d’una banda, “Pure Morning”, “Special Needs”, “I Know” i, sobretot, “Exit Wounds”, que malgrat tenir un videoclip horrorós, és per a mi una de les millors composicions de Loud Like Love (2013), l’últim llarga durada de la banda. Una llàstima, però, que la realització de càmeres no posés en primer pla Brian Molko en els moments més dramàtics d’aquestes. Val a dir també que “Jesus’ Son“, la cançó publicada aquest any per celebrar els 20 anys va passar bastant desangelada. D’altra banda, evidentment, no puc deixar d’esmentar el més que sentit homenatge a David Bowie, per al qui havien fet de teloners en el seus inicis i amb el qui els unia una gran amistat. L’homenatge va tenir lloc amb  “Without You I’m Nothing” per estendard, tema que, amb aquestes publicacions de rareses pel seu 20è aniversari, vam poder-ne descobrir justament el dia després de la seva defunció una versió a duo amb el propi David Bowie backstage. Com era d’esperar, el públic va respondre amb una standing ovation sincera, de més de dos minuts*, tant com la de l’homenatge de Placebo a Bowie amb la carta que li van dedicar per les xarxes socials (y no como la de otros que se apuntaron al carro aprovechando la ocasión).

Havent dedicat el concert a totes les ladies and gentlemen and those in-between, molt d’acord amb l’ambivalència que sempre ha desprès Brian Molko, començaria la birthday party pròpiament dita. Una festa d’aniversari en què, amb el permís del mestre de cerimònies (que más allá de los Pirineos la gente de concierto en gradas no se levanta sin permiso), un s’ha d’aixecar a ballar i, com en el meu cas, darlo todo como si no hubiera mañana. Arrencaria aquesta secció la frenètica “For What It’s Worth”, seguida de “Slave To The Wage”, i el frenesí arribaria in crescendo amb “Special K”, “Song To Say Goodbye” i, evidentment, “The Bitter End”, on no vaig poder evitar recordar, novament, les versionaques de la mà de Steve Forrest. Els primers bisos els tancava un “Infra-Red” que vaig sentir ple, amb moltíssim cos, com mai, ni a Barna, en un concert el subidón del qual em va durar dos dies.

Per mi, faltaven dos temes, “Every Me, Every You” i una d’aquelles excepcions, al meu veure, en què la versió supera l’original: “Running Up That Hill (A Deal With God)” (original de Kate Bush) gràcies a l’eradicació d’elements pop i inclusió de sons electrònics intermitents. M’imaginava que em quedaria sense la primera, com he dit abans, però just quan estava a punt d’exclamar indignada un segon “Que no toquéis ‘Running Up That Hill’ no os lo perdonaré jamás, Placebo. Jamás.”, ahí sonó, y con ella, mi última catarsis extasíaca de la noche y el correspondiente baño de masas de Brian Molko y Stefan Olsdal.

Aquesta no era pas la primera vegada que veia Placebo, tot i que sí la primera que veia en persona a Brian Molko amb implants capil·lars, que quan me’l vaig trobar el 2012 al Pg. de Gràcia li vaig veure la coroneta…! De totes maneres, però, en guardaré igual de bon record que quan els vaig veure a Razz, sense la meitat de parafernàlia, en un concert que, havent tingut lloc en el meu annus horribilis health wise i amb el subidón que em va provocar, em costarà oblidar. Now, si es decideixen a passar per Barcelona, és probable que ho facin novament pel Razz, ja que aquí no tenen ni la meitat d’anomenada que al nord-est d’Europa. Al Razz hi arriba el metro, té bona acústica, se’ls veu d’a la vora… y yo repetiría lo que hiciera falta. Si algú s’hi vol apuntar, considereu-ho la meva birthday party.

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*actualitzat 24/11/16

Breu repàs al Primavera Club 2016

Aquest any m’he estrenat amb el Primavera Club ja que el cartell d’enguany contenia dos noms que van fer que no dubtés ni un moment en comprar l’abonament: Minor Victories i Whitney. És clar, però, que si vas a un festival el cartell és molt ampli. A més, si ets de primeres files com aquí la moi (mission accomplished en tots els casos), aprofites i vas a veure els que toquen abans, per allò de “ja que hi ets potser t’endus una grata sorpresa”.

El meu objectiu del dissabte era Minor Victories, prèvia presència a C Duncan, els immediatament anteriors, però vaig arribar inclús per a les darreres cançons de Maria Usbeck, incloent el moment hipster màxim de  la versió del “Cállate, niña” de Jeanette. Todo ello muy Apolo. L’escocès C Duncan, acompanyat de la seva banda, em va recordar en certs punts a High Highs, sense la monotonia i linealitat dels darrers i, sens dubte, amb molta més versatilitat i personalitat sobre l’escenari que el duo australià. En resum, C Duncan i banda, tots ells molt cuquis (comentari frívol, I know).

Però a qui havia anat a veure era al mal anomenat supergrup Minor Victories, format de components de Slowdive, Editors i Mogwai. Amb aquest elenc, doncs el shoegazing que es gasten té molt de cos rocker, sobretot en els finals dels seus temes, on el guitarrista Stuart Braithwaite (Mogwai) i el baixista Justin Lockey (Editors) deixen clar que vénen (ups, diacrític #desobediència) de grups amb el rock de bandera. Els tècnics de so crec que van confondre l’envoltori oníric del shoegazing amb el “que-no-se-entienda-unamieldade-la-letra” en els primers temes i en certs punts el baix tenia un reverb bastant odiós, diguem-ho tot. Other than that, va ser un concert correcte en què els fans dels grups més rockers d’origen van poder gaudir de finals apoteòsics. Ah, aquí la menda se llevó más de una y de dos sonrisas de Justin Lockey porque soy así de adorbs con mi feedback facial que no puedo ocultar, tanto si algo va bien como si algo va mal. (Vaya, otro comentario frívolo; ya paro, ya).

Diumenge vaig arribar per a Gúdar, sobre els quals em reservaré els comentaris. Val a dir que tenen fans molt entusiastes, però que el vocalista de “me-inspiro-en-Martí-Perarnau-de-Mucho-pero-sin-tener-el-carisma-de-éste” se salva pels músics que l’acompanyen. El gran moment, però, va arribar amb Whitney, que em van conquistar a principis d’any amb el seu singleNo Woman‘.

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Julien Ehrlich, bateria, veu i lletres de Whitney.

Yo voy a los conciertos a que me emocionen. A que me hagan bailar. A que me hagan sonreír. A que me hagan llorar. A que me hagan vibrar. En resumen, a que me hagan sentir. Si no, me quedo en casa y me pongo el disco, oiga. Per sort, Whitney ho van aconseguir només sortir a l’escenari. I amb escreix. Ja ho he dit vàries vegades que, si ets bo, no et calen les parafernàlies dels macro-concerts amb passarel·les, focs artificials i visuals d’infart. Que si están, bienvenidos sean, claro está. Però si no és el cas, només et calen un bon set list, una gran compenetració i complicitat amb els companys, professionalitat, presència sobre l’escenari, gaudi pel que s’està fent, ganes de fer-ho passar bé i sensibilitat. De tot això i més n’hi va haver a dojo ahir en els 55 minuts de concert dels de Chicago. Des de les modulacions vocals i les divertides converses i òbvies intros de temes de Julien Ehrlich (bateria, lletres i veu), juntament amb les retirades de la suor amb les mànigues d’una camisa de franel·la (?!), passant per l’entusiasme ballaruquil de Malcolm Brown als teclats, el cos sonor brillant de les trompetes de Will Miller, els posats Tom-Hankians de Max Kakacek (guitarra i lletres) i els petons i conseqüent retirada a temps de Josiah Marshall (baix). Si alguna cosa és Whitney és una banda cohesionada, amb moviments estudiats sense perdre la frescor i espontaneïtat, moments de “now, everybody tune your instruments” (las cosas del directo) i “sorry, but we are still jet-lagged and we don’t know if this is a full set or a fest“, i agraïts amb l’oportunitat de poder anar de gira pel món amb un sol àlbum que els serveix d’excel·lent carta de presentació malgrat tirar també d’un parell de versions per cobrir l’expedient. Sigui com sigui, banda a seguir, almenys per mi.

Coldplay y la alegría multicolor de ‘A Head Full of Dreams’

Coldplay convierte indiscutiblemente el Estadi Olímpic en una gran fiesta multitudinaria, vitalista y multicolor.

coldplay a head

Una última vuelta de tuerca al tour de Mylo Xyloto. Así podríamos definir la gira A Head Full of Dreams, que trajo el último y controvertido álbum de Coldplay e hizo vibrar a todo el Estadi Olímpic Lluís Companys (y, según varios pajaritos, también a parte del Poble Sec y el Raval) durante la noche del jueves y del viernes durante dos horas.

Esta era ya la tercera vez que veía a los británicos (las anteriores fueron para el X&Y en el Sant Jordi y para el Mylo Xyloto en el Calderón tras incomprensiblemente – o no, ya que estaba en plena tesis y vivía en un mundo paralelo –  perderme el de Viva la Vida or Death and All His Friends, en el Olímpic en el 2009), por lo que mis expectativas fundadas eran altas en algunos aspectos y no tan optimistas en otros. Además, empecé mal el día en relación al concierto: unos cambios de última hora hicieron que mi ilusión por el evento bajara a menos mil y el retraso en la coordinación en la hora de entrada hizo que todo lo que viera fuera a través de pantalla. Nota para futuros acompañantes: Mª del Mar, aquí la moi, es a) de máximo segunda gradería; b) de primeras filas aunque haga falta hacer cola durante horas; c) de ultimísima fila, en que el ángulo y distancia respecto de las cabezas de delante te permite verlo todo. Cualquier otra opción que contemple sucedáneos o medias tintas queda directamente descartada. Vaya por delante también que asistí al concierto del jueves y que fuentes fiables me han confirmado que el del viernes estuvo mejor en cuestión de calidad sonora.

A lo que iba, pues. Las expectativas de grado medio, partiendo de la experiencia previa, se debían, precisamente, a Chris Martin: un gran líder de banda, sin duda, pero con una voz que no es nada del otro jueves aunque por fin haya aprendido que no por mucho estirar el cuello se llega a las notas altas. Líder que no es la primera vez ni la última que para un tema en medio de un concierto porque no sabe por dónde va (efectivamente, volvió a pasar). Las altas: el espectáculo en sí, pues Coldplay han ido in crescendo en ese aspecto (exceptuando la mini-gira del paréntesis de “¡Ah, qué lamentosos son los efectos del pasado en el presente y del amor incondicional!” que se gastaban en el mini-tour con Ghost Stories, publicado en 2014), convirtiéndose así en una banda capaz de hacer vibrar un estadio lleno hasta la bandera como es el Olímpic en masa, al unísono, cantando y bailando como si no hubiera mañana tal que fiesta de la alegría y la felicidad, ah ah ah ah. Todo ello, gracias a cuatro elementos clave: 1) unos temas cada vez más y más bailables, aunque no por ello de mejor calidad que los anteriores o que sus paralelos en otras bandas actuales, ni mucho menos; 2) la disposición del escenario en varias unidades con su correspondiente pasarela; 3) un espectáculo lumínico y audiovisual que quita el hipo; y 4) la interactividad -que no tanto interacción por mucho castellano que hablara Martin (Gwyneth Paltrow hizo los deberes como tícher) – a través de las pulseras lumínicas y sonoras, recurso ya utilizado por la banda anteriormente.

coldplay visuals

Efectivamente, esta es la gira de A Head Full of Dreams (2015), ese álbum en que cualquier rastro del Coldplay de Parachutes (2000), A Rush of Blood to the Head (2002) y X&Y  (2005) desaparece casi que por completo para hacer que Coldplay se convierta en un grupo con temas pop ultrapegadizos, de estructura predecible y muchísima más producción que en obras anteriores. Producción que se trasladaría en música enlatada para el directo, pues cuatro músicos en el escenario dan para lo que dan. Para los más puristas y fervientes defensores de los primeros álbumes de Coldplay, este último álbum es un truño de álbum regularcín pero que, escuchados todos los álbumes de la banda en conjunto (sí, es a lo que me he dedicado hoy antes de ponerme a escribir esto), se explica como una evolución lógica aunque no por ello completamente sensata. Hasta que lo vives en directo y aprehendes que veinte años de carrera dan para mucho cambio, colaboraciones y adaptación a los tiempos incluidas. Asimilas también que si tu objetivo es darle de comer a tus hijos y a los de la gente que trabaja para ti manteniendo o superando el listón conseguido en giras anteriores, tienes que llenar estadios manteniéndote atractivo para un público que abarque tanto a tus fans de siempre como a los nuevos jóvenes. Y en ese contexto, el pop que han ido incorporando Coldplay progresivamente o cualquier variante rock is the way to go. Me pregunto si Coldplay hubieran sido capaces de llenar un Estadi Olímpic dos noches seguidas con 7 álbumes del estilo de sus dos primeros sin que decayera el ritmo. Y me aventuro y oso decir que la respuesta es un no rotundo. Además, Coldplay se presentan en este tour con un set list orquestado de manera tal que no da lugar a ningún bajón aun tocando, a petición del público ‘Don’t Panic‘ o ‘Trouble, ambas de Parachutes (ains, que tendría que haber ido el viernes para esta joyita)… hasta que la banda se tiene que trasladar a otro mini-escenario y se produce el silencio en uno de los traslados. ¡Craso error! No obstante, y de aquí también el éxito de las plataformas, los miembros de Coldplay se mostraron unidos y cercanos al público en estas plataformas, aunque no tanto en el escenario, de grandes dimensiones pero que veía a Will Champion, Jonny Buckland, al guapérrimo de Guy Berryman y a Chris Martin cuando no le daba por la vena saltimbanqui-planeador, apelotonados, y casi estáticos, a lo que ya nos tienen acostumbrados. Salvo estos menos y el sonido amortiguado de las primeras frases musicales que sonaron el jueves y que me encogieron el estómago temiendo su eternización o la repetición de lo ocurrido en el Estadi también en 2008, el ritmo no decayó.

guy berryman + other members

Y vayamos al set list, que cubrió casi todas mis necesidades básicas aunque echara de menos ‘Politik‘, ‘Lovers in Japan‘ y ‘Talk‘ o ‘Square One‘, comprendiendo y asumiendo dócilmente que el tiempo es el que es (aunque Bruce Springsteen y Damon Albarn superen las tres horas de show, ehem). Y es que me doy con un canto en los dientes de poder haber escuchado ‘The Scientist‘, ‘Magic‘ (aunque un pelín vacía), la simplona pero dulce ‘Ink‘, por supuesto ‘Charlie Brown‘ (que compensa la ausencia de ‘Lovers in Japan’), un remix de ‘Paradise‘ vía DJ Tiësto durante la que esperabas que en cualquier momento te saliera David Guetta pegando saltos por ahí y un snippet de la BonIveriana (aunque desconcertante por tratarse de Coldplay) ‘Midnight‘, que me encrespó los pelos. Me sobró, no obstante –  y no me peguéis- , ‘Heroes’ como tardío homenaje a Bowie.

Soy de las que, por más que lo intente no le encuentro la gracia al álbum A Head Full of Dreams dada su previsibilidad y, en algunos momentos, impostada frescura, por lo que no voy a celebrar sus virtudes aunque tampoco condenar que cayeran los singles, como era de esperar. Precisamente por eso, porque es del tour del que estamos hablando. Es más, diré que fueron indudablemente una pieza clave más (¿la que más?) para que fuera posible el jolgorio vivido en el Estadi por más de 50.000 personas en cada una de esas dos fechas. Abría el concierto el tema que da nombre al álbum y que aboga por tener sueños en la vida, un tema olvidable musicalmente pero que ya ponía las bases de la noche. Exceptuando  la lenta ‘Everglow‘, los demás cortes de A Head… (‘Hymn For The Weekend, la oldish-discotequera Adventure of a Lifetime con palmas espontáneas asincopadas del público y coreografía grupal, la calvinharrisiana ‘A Sky Full of Dreams‘- qué jolgorio, qué alboroto, otro perrito piloto- y el cierre con ‘Up & Up‘ como cierre a modo cool down pero no por ello menos edificante, optimista e inspiradora, no hicieron más que levantar a las masas e inyectarles una energía gravitatoria sin par. No obstante, sí que me voy a lamentar de que eso implicara también añadirle unos graves rarunos a ‘Clocks‘ que hicieron que las campanas relojiles no brillaran como las veces anteriores (¿debido también a las dimensiones del Estadi?) y un zumbido también raruno unido a una base rítmica hotchippera en ‘Fix You‘ que hizo que perdiera la esencia de la original aunque mantuviera la tan mítica carrera de Martin a lo largo de la pasarela. Me remito también a mis fuentes fiables para decir que el viernes estos dos temas recuperaron parte de su forma original.

Volviendo a los elementos clave, en cierto modo inseparables, destaco lo que da la forma y el hilo argumental a todo el espectáculo, independientemente del álbum de procedencia del tema que se esté interpretando: los visuales. El elemento que muestra ese pequeño a la vez que gran paso respecto del Mylo Xyloto, en que ya teníamos un piano “manchado” con pintura de colores que ahora da paso a un piano decorado a conciencia, la misma conciencia del diseño de vestuario y de las múltiples mandalas que se sucedían sin parar así como los diseños en 3D, los brillos y resplandores y los paisajes que quitaban la respiración. Más de un ‘ooooooooh’ al unísono se oyó ante la espectacularidad y vitalidad de los visuales que, sin duda, contribuyeron, junto a los confetis repetidos, a que incluso los temas de A Head Full of Dreams sonaran a grandes himnos (sin necesariamente serlo). Sin duda, el objetivo de Coldplay era que su público lo pasara en grande y lo lograron, puesto que, aunque su último álbum no te guste especialmente, es imposible no vivirlo al máximo en tal contexto, imaginándote estar bailando cual turista en una fiesta en la playa vestida de blanco, con falda corta vaporosa, ya sea con sandalias, ya sea descalza, y ataviada con collares de cuentas y plumas o, en su defecto, pulseras y pulseras de piel marrón trenzadas. Contribuían también a tales ‘ooooooh’, las luces y sonidos que portaban los asistentes en la pulsera distribuida en la entrada (y que se supone que es de Huelva), un recurso ya conocido por sus fans pero no por ello menos efectivo ni aburrido. Destaco también especialmente el juego de la cámara aérea de plano picado que creaba un juego fascinante con los filtros lumínicos a capas que se convertían en el falso suelo cambiante de los escenarios secundarios.

plano picado coldplay - copia

Puedo decir alto y claro que el tour A Head Full of Dreams salva el álbum y muestra fielmente la evolución, que no involución en sentido peyorativo, de Coldplay, adaptándose (¿a la vez que vendiéndose?) a las tendencias del mercado mainstream. Más allá del giro de tuerca experimentado desde el Viva la Vida y el Mylo Xyloto, cuando se le ha preguntado recientemente a Chris Martin ‘What’s next?’ ante sus declaraciones acerca de que A Head Full of Dreams suponía un punto y aparte para Coldplay, rumbo a un nuevo destino para la banda, su respuesta ha sido que harían un álbum de flamenco cantado en holandés, obviamente bromeando. Seguir en la misma línea de A Head… probablemente les crearía más detractores aún, algo a lo que no se pueden arriesgar. No obstante, viendo cómo han logrado conjugar con éxito su carrera en dos horas de concierto, me decantaría por un retorno al X&Y o al Viva la Vida o instalarme en un Mylo Xyloto que logre llenar estadios igualmente y haga vibrar y latir corazones a miles y miles de personas como pocas veces ocurre en tales eventos. Aunque, por mí, ojalá tiraran por lo experimental BonIveriano de lo que nos dieron muestra en ‘Midnight’ con toques electro, la fiesta estaría asegurada también. Sea como sea, Coldplay se confirman como una banda de estadios de manual, que se acompaña con un diseño visual espectacular y una gran maestría en el terreno interactivo/millennial acorde con su estadio generacional.

Galería de imágenes.

*De telonera vi un trozo de la actuación de Lianne La Havas, que tendré que investigar…

Bastante, Mucho y Second: producto nacional de calidad -Let’s Festival

Ayer era una tarde de esas de sofá, peli y manta, pero con eso de que la escena nacional es mi gran asignatura pendiente (siempre he sido más de Aussieland y UK, qué le vamos a hacer), vi que Mucho (con crítica positiva) venían de concierto y me dije, pues vamos allá, ¿no? 

Mucho no venían solos, sino que Let’s Festival se lo hizo venir bien para que los asistentes hicieran un repaso exprés de los adjetivos cuantitativos, uniendo en una sola noche a Bastante, Mucho y Second. ¿Que si conocía a Second y Bastante? Pues ni mucho ni poco. Casi nada. Me dirigía a la Sala Salamandra 1 tras un intensivo de semana y media escuchándolos, pero visto el entusiasmo del público mostrado por Second, se supone que al menos estos me tendrían que haber sonado. Oh well, no es pot estar a missa i repicant!

La entrada no especificaba si las 20:30 era apertura de puertas o inicio de concierto, por lo que sólo éramos tres pardillos contados con los dedos de la mano esperando bajo la lluvia desde las 7 y pico, lo que no tenía demasiado buen augurio. Y es que no fue hasta pasadas las 20:30h que abrían puertas. A las 21:10 salieron los miembros de Bastante al escenario. Este grupo del “extrarradio Barcelonés a caballo entre el pop mas melancólico ochentero y las guitarras pesadas del grunge de los noventa tuvo trabajo para animar a los más o menos 150 presentes en la sala, con aforo para 850. Fue en el cuarto tema, “Hombre veleta“, cuando el público empezó a mostrar complicidad con la banda, aunque Bastante tenía a su público fiel que coreó y bailó los 14 temas publicados en su La sonrisa de Melmoth y Verter el vacío desde el primer minuto. Siendo sus temas desconocidos para la mayoría, Bastante se atrevieron a presentar un tema nuevo en que mostraron su lado más indie-Phoenix-ero. Si algo tenemos que achacarle a Bastante es el hecho de que en los momentos en que la guitarra y la batería tomaban protagonismo, se hacía dificultoso entender la letra. Por lo demás, tienen un aire (que no estética) grunge interesante y disfruté sobre todo los temas más melódicos.

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Vocalista y guitarra de Bastante

Aunque anunciados por Bastante como Second, llegó seguidamente el turno de los manchegos Mucho, a los que tenía muchas ganas de ver, pues mi gran pregunta era: ¿cómo se lo van a montar para interpretar letras-protesta con lindezas como “¿Os podríais ir todos a la mierda?”, “puedes ser el más moderno pero el día de tu entierro no te llorará ni Dios”, “¿Por qué la mierda se disfraza de oro?” o “Tú qué dices hablar catalán en la intimidad” con ese sonido tan de sintetizador “cósmico-sideral” que ofrecen? Pues con un acercamiento físico de los músicos al público – con la sala ya medio llena-, un descaro expresivo importante del cantante (Martí Perarnau) y una profunda inmersión/complicidad del grupo (los cuatro “motherfuckers”) sobre todo en las líneas melódicas de los teclados (Víctor Cabezuelo) que elevaron el espíritu de los asistentes hasta el infinito y más allá. Mucho nos tuvieron a unos cuantos (compañero de lluvia de al lado con jersey azul y camiseta blanca, si lees esto, ¿¡Hola qué tal!?) balanceándonos y moviendo los pies desde el primer momento y durante los 11 temas que repasaron su discografía. No obstante, se centraron en la presentación de su último álbum, Pidiendo en las puertas del infierno, con más “cosmicidad, negritud y rabia” que sus trabajos anteriores y con un alto grado de improvisación, como en el vídeo de presentación.

El resultado fue lo que en multimodalidad llamaríamos una discrepancia sonido-letra que conduce a una reacción del público sorprendentemente cómplice. Mucho pueden dar mucho que hablar.

Y llegó el tercer grupo, Second. Y ahí La Salamandra 1, ya llena, se hundió. Despiporre con señora en sujetador y haciendo el símbolo del corazón con las manos incluida. A darlo tó. Si Mucho se acercó al público, lo de Second fue fusión total con su Viaje iniciático. Directazo en mayúsculas, el de los de Murcia, con casi 20 años de carrera a sus espaldas, que por algún lado se tienen que notar: desde la presencia en el escenario, la profesionalidad, los golpes de efecto mesurados de Javi Vox, los me-tiro-por-el-suelo-cuando-toca del guitarrista Jorge Guirao, un Nando Robles (bajista) cuya pose recuerda a la de Alex James de Blur, un baterista (Fran Guirao aka Andy García en joven y guapo) que dirigía el cotarro y animaba al público con sus subidas y bajadas y, finalmente, ese temple serio  a la vez que enérgico de la voz de Sean Frutos, de sonrisa escasa, que tenía muy claro que L’Hospitalet no es Barcelona. Respect. La energía era tanta que fue casi imposible tomar una foto sin que saliera movida. El público, entregado, no sólo coreaba los “uoooooooooohhhh, aaaaaaaaaaahhhh” de las letras sino que incluso vivió intensamente el nuevo tema “Donde vive el vértigo“, pues por mucho que los de Murcia se atrevan con innovaciones, está claro que mantienen su esencia, esa inconfundible virtud de Second que los convirtió en los grandes triunfadores de la noche.

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Los Second serán los primeros.

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