Escuchando Elefantes presentan Hope en la Continental

Que un grupo telonero te llame tanto la atención como para querer saber más de ellos ya es un mérito de por sí. Y más después de verlos solo unos diez minutos, pues no sabía que uno de mis cantautores favoritos, Glen Hansard, los llevaba de teloneros. Así pues, tres fueron los temas que hicieron decidirme ir a ver Escuchando Elefantes el pasado sábado en la Continental de Barcelona, sala de distribución kafkiana donde las haya.

escuchando elefantes

Escuchando Elefantes son un dúo de músicos callejeros de folk-rock formado por los gallegos Sílvia Rábade y Carlos Tajes y que acumulan en su CV, además de tres álbumes (la gira actual es de la presentación de su tercer álbum, Hope), el haber actuado junto a otros de músicos conocidos irlandeses como son, además de Glen Hansard, Bono, Damien Rice o Sinéad O’Connor.

Este dúo se caracteriza por su espíritu de cantautor callejero y se vale de solo dos instrumentos, batería y guitarra eléctrica (y sus correspondientes variantes, a veces alternándose entre ellos) para la ejecución de su repertorio en directo. De Escuchando Elefantes destacamos la voz de Sílvia y lo bien que empasta con la de Carlos, además de su sentido del humor y humildad. Todo ello se percibió nada más empezar su actuación, que abrieron con ‘Under The Sun’. Sus temas, en inglés, no son para nada tan melancólicos como los de un Angus y Julia Stone, por ofrecer algún paralelismo, pero pueden llegar a tocar y emocionar, como le ocurrió a la que escribe nada más empezar el cuarto tema de la noche, ‘Over’.

Si algo tienen los locales pequeños es la sensación de cercanía que se puede crear casi instantáneamente para con el público, sensación que, al parecer, no están tan acostumbrados a fomentar en las redes sociales (dixit el propio dúo). Silvia y Carlos, no obstante, la mostraron en persona en numerosos momentos, empezando por  el sondeo de porcentaje de gallegos en la sala y quiénes habíamos estado en el concierto de Glansard, y continuando por homenajear (u ojomenear, quizás) al fan pesado de Instagram que reclamaba un tema, ‘James’, del que resultó no saberse la letra. Y sí, efectivamente, sí, había alguien tomando notas para una “review”, como se preguntaba Carlos, y estaba situada en donde supuestamente peor se oía el concierto. Esa alguien era yo, mismamente. Encantada, Carlos.

La sensación de cercanía se potenció también cuando, volviendo a sus orígenes, el dúo quiso interpretar en acústico, entre los cuales incluyeron, además de ‘Sing Me A Song’, una versión de ‘Bohemian Rhapsody’ de Queen de la que quizás fue un pelín ambicioso querer rendirle homenaje con una versión medio-improvisada, como tampoco parecían acabarse de entender Carlos y Silvia en los falsos finales de ‘There Will Be Joy’. Nada más allá de un lapsus que supieron arreglar con celeridad.  Si algo tienen sus referentes también, es hacer participar al público en los diálogos, cosa que no faltó, como en los coros, previa lección exprés. Fue así cómo cerrarían la parte principal del concierto con ‘Burning Down The House’ y con un buen sabor de boca que dejaron al cerrar la noche con ‘The Rain’ tras hora y media de actuación.

De la calidad del sonido no nos vamos a quejar. De hecho, de negativo solo diría que no se entendía a Silvia cuando hablaba, pero por lo demás, todo correcto. De lo que sí me vais a dejar protestar es de la sala en sí, cuya escalera de salida de emergencia entre el público y el escenario por una parte y la barra de considerable tamaño situada en diagonal que ocupa gran parte de la sala dejando, a su vez, esquinas ciegas con la columna bloqueadora de cortesía hacían casi imposible ver nada de lo que estaba ocurriendo en el escenario más allá de la tercera fila. Las pantallas de televisión retransmitiendo el concierto salvaban la situación a la par que aumentaban el surrealismo de la cuestión. Es precisamente por la sala donde tuvo lugar el concierto que me encuentro en estos momentos a punto de publicar esta crónica y no de fiesta viendo a los Julieta Jones, que seguro que están a punto de petarlo allí mismo. Y mira que tenía ganas ir a verlos. Pero, qué queréis que os diga: en retrospectiva, hubiera preferido invertir los 10€ de la entrada de Escuchando Elefantes en otra sala, y por eso me espero a ver a los Julieta más adelante. Otra vez será.

Sea como sea, Escuchando Elefantes, valgan 10€, valgan más sus entradas, bien se merecen una visita por alguno de sus conciertos, ya sea en la calle o en locales pequeñitos, como les gusta a ellos, ya sea en un festi, aunque no les motive tanto la idea pero con un mínimo de visibilidad garantizada. Sea como sea, verlos fue un fantástico regalo de cumpleaños para mí el sábado pasado. El plan de verlos “buskear” en Dublín en Nochebuena con Hansard y Bono es también, cómo no, algo a considerar como regalo de Navidad original.

Galería de imágenes.

Glen Hansard personal(itzat) al Casino l’Aliança del Poblenou

Dimarts vaig viure el que, segurament, hauria d’haver passat molt abans: un concert de Glen Hansard acompanyada de l’amic que me’l va descobrir, a través de la banda sonora de Once, la película guanyadora de l’Oscar a la Millor Cançó Original per ‘Falling Slowly’. Dic “abans” perquè déu n’hi do les vegades que he gaudit de l’irlandès des de llavors i, com és d’esperar en un compositor amb dos àlbums en solitari a l’esquena posteriors a la película, més les col·laboracions diverses i el seu treball amb The Frames, el seu altre grup, la presència de temes provinents de la banda sonora de la película als seus concerts és ara molt més reduïda del que va ser anteriorment.

2017 glen hansard

No era ni la primera ni la segona ni la tercera vegada que veia Glen Hansard en acció, però a diferència del que em passa amb altres artistes, amb els quals tinc la sensació d’estar experimentant un déjà vu (¡Ed Sheeran, Rufus Wainwright, i fins a cert punt, Damien Rice, preneu nota!), aquest cop no tenia pas la recança de veure el mateix en un context diferent. La raó? Ben senzilla: tal i com després del concert me’l van fer resumir en una sola paraula, el que Glen Hansard ens té acostumats a oferir i, per tant, va portar al Casino de l’Aliança de Poblenou, és un espectacle “personal(itzat)”. Bé, són dues paraules en una, però per als qui patim de verborrea com jo, ens podem permetre llicències com aquesta, oi?

Certament, es va tractar d’un concert personal(itzat), molt personal(itzat). Tal i com diuen que no ens banyem en el mateix riu dos cops, la imprevisibilitat, el fluir i l’aturar cançons a mitges, el setlist en si i les seves introduccions majoritàriament humorístiques, fan que sigui impossible viure el mateix concert dos cops i molt menys si s’hi va en dues ciutats diferents, ja que sempre té alguna cosa a dir d’allà on va. Aquest cop, el Casino de l’Aliança de Poblenou, “una part nova de la ciutat que no coneixia i que em fa l’efecte que no estigui a Barcelona”, deixant constància així que havia percebut perfectament l’essència de l’emblemàtic barri.

Arrencava el concert amb ‘Love Don’t Leave Me Waiting’, del seu primer àlbum en solitari Rhythm And Repose (2012), en un escenari on hi havia un piano un pèl massa decantat cap a la dreta, una guitarra, un bombo on s’hi llegia ‘Save-A-Soul-Mission’ i un parell de làmpades per crear un ambient d’allò més íntim i, novament, personal. Seguirien ‘Friend/Enemy’, ‘Winning Streak’ i ‘My Little Ruin’ del seu segon àlbum en solitari (Didn’t He Ramble, 2015) i no seria fins que van sonar les primeres notes de ‘When Your Mind’s Made Up’, de The Swell Season i de la banda sonora abans esmentada, que se sentirien expressions d’agraïment del públic (sí, you got me, ara mateix em teniu amb els eyes rolling).

Com ja ens té acostumats Hansard, moltes de les cançons del setlist vénien precedides, o acompanyades, de notes humorístiques com una improvisada paròdia de Jon Bon Jovi al final de ‘Way Back In The Way Back When’, així com de la corresponent anècdota personal, explicada sempre amb gràcia, però sovint amb un rerefons dramàtic, on la presència de l’alcohol o de tragèdies familiars o alienes hi té sovint un paper destacable. Aquestes anècdotes vindrien també acompanyades també de la participació activa del públic amb cors i aparicions més o menys estelars, com la de la seva amiga irlandesa que celebrava l’aniversari de la mare amb un viatge a Barcelona, la d’un (espontani?) del públic que fou capaç de cantar la tercera estrofa del tema final ‘So Long, Marianne’ a pèl, o la del seu amic guitarrista, Javier Mas, guitarrista del recentment desaparegut Leonard Cohen i que sol tenir una participació destacada quan Hansard visita la Ciutat Comtal. La cirereta va ser, per molts, ‘Falling Slowly’, traduïda al català i cantada pel poeta Quico Tretze, descobert atzarosament per Hansard a Internet, versió de la que Glen Hansard es va animar a interpretar-ne la tornada. Per a mi, però, la cirereta va ser el tema final, on els teloners, Escuchando Elefantes, van tenir una participació més que destacada i on, novament, la participació del públic va fer que ens sentíssim part de l’espectacle, deixant-nos així un somriure d’aquells tontos que et duren fins que poses el cap al coixí.

Després del concert, també em van preguntar quina nota l’hi posava. És molt difícil posar nota a un concert on els vincles emocionals hi tenen molt a dir. No obstant això, vaig llançar-me amb un 8.5/8.75, afegint-hi un “i no pas per culpa d’en Glen” (noti’s el “culpa”, com si un notable fos inadmissible!). Si una cosa he de dir que sigui negativa del concert és el(s) tècnic(s) de llums i de so, que deixava gairebé completament a les fosques el protagonista de la nit, il·luminant (excessivament) la sala en acabar certs temes i que, com és gratis (deuria pensar), posava reverberació a dojo fins al punt que Hansard va aturar amb un ‘No, please, don’t do that’, la que és la meva cançó favorita seva en solitari, ‘Bird of Sorrow‘, pseudo-arruinant-me així l’experiència de viure-la (i plorar-la) en directe un cop més.

Sigui com sigui, assistir a un concert de Glen Hansard és anar a viure una experiència on la increïble veu de l’irlandès passa del desganyitar-se cru i feridor al xiuxiueig íntim que anheles escoltar en temes marcadament tristois, passant per l’esperit folk de taverna irlandesa.

*De teloners, Escuchando Elefantes, un grup amb una simpatia inusitada, un repertori d’allò més variat, una veu femenina versàtil i un membre masculí amb un entusiasme contagiós. Highly recommended malgrat només haver-ne vist l’última part de la seva actuació.

Banda sonora cosecha del 2015

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As requested
(Mané & co.), lo que viene ahora no es necesariamente ni los mejores discos ni los temas más celebrados, pero sí lo nuevo que he venido escuchando este año y que, en un mundo ideal, tendrían cada uno de ellos un artículo en este espacio. Si están en la lista es porque cumplen la condición de que hayan sido publicados este año. Excepto el indiscutible número 1, que ha recibido tanta atención como todos estos artículos en este blog, el resto aparece en random order. Así pues, procedo a hacer las listas de…

Álbumes y EPs más escuchados del 2015

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  1. Florence and The Machine – How Big How Blue How Beautiful: Por todo. Todo. Por ella. Por el concepto. Por la Odyssey. Por cómo lo he ido interpretando y reinterpretando a lo largo de 6 meses. Por lo que ha significado para mí y para otros. En fin, que qué big, qué blu y qué biútiful todo.
  2. Editors – In Dream: Muero. No me puedes mezclar indie-rock con synthpop y una voz de proyección impecable. No, don’t do this to me
  3. Blaumut – El primer arbre del bosc: porque hay que barrer para casa, y desgraciadamente, es con los únicos que estoy al día del panorama nacional regional.
  4. HEALTH – Death Magic: el día que me encontré escuchando esto on repeat no me lo creía ni yo.
  5. Sanders Bohlke – The Night: escuché de pura churra una versión de “Smalltown Boy” suya buscando una quote que se ajustara a lo que pienso sobre la independencia de esta mi tierra (Mother will never understand / Why you had to leave / For the answer you seek /Will never be found at home). Investigué, y me encontré con esta perla ideal para tardes/noche de estudio y trabajo.
  6. Alabama Shakes – Sound and Color: vozarrón, estilazo, disco de sábado por la tarde, gin-tonic en mano sin gin (una que casi no bebe).
  7. Years & Years – Communion: un momento poppy de esos de * hides behind a rock * lo tiene cualquiera y es un aire fresco en la escena pop. Don’t judge me on this. Eso sí, baladas fuera y en directo dejan bastante que desear.
  8. Seinabo Sey – Pretend: amor a primera escucha.
  9. Leon Bridges – Coming Home: hacía falta una nueva voz para el R&B.
  10. The Weeknd – Beauty Behind The Madness: las vacaciones en Suecia no hubieran sido lo mismo sin The Weeknd (ni sin la BSO de las Tortugas Ninja – long story).
  11. Susanne Sundfør – Ten Love Songs: con letras que, en ocasiones, no son más tópicas y típicas porque no se lo propuso, pero ese “escandinavismo” sonoro que desprende es lo más.
  12. Tame Impala – Currents: porque ese aire retropsicodélico es de lo mejorcito del año. Escribí también sobre ello por aquí.
  13. Foals – What Went Down: aunque no sea una gran devota de ellos, hay que admitir que el último álbum está muy bien.
  14. Villagers – Darling Arithmetic: * sigh *
  15. FKA Twigs – M3LL155X: en otra vida llegaré a ser la mitad de sensual que Tahliah. Lo sé.
  16. Glen Hansard – Didn’t He Ramble: probablemente no esté siendo objetiva con mi Glen, pero es lo que hay. Y está nominado a los Grammy. ¡Ahí es ná!
  17. The Vaccines – English Graffiti: Los descubrí preparándome para el Super Bock – Super Rock (I know, late to the party). Dicen que no es su mejor álbum – y seguramente no lo sea -, pero es el que me los descubrió y creo que muestra honestamente una evolución sin perder su identidad sonora.
  18. Unknown Mortal Orchestra – Multi-Love: tras Editors, otro descubrimiento de parte de mi prima portuguesa, Luísa Reina de los Tapires
  19. Blur – The Magic Whip: de nuevo, probablemente el objetivismo seguramente se acaba de colar por el retrete, pero es que mi Damon es mucho Damon. Le falta, no obstante, EL tema que te haga vibrar como un “Song 2”.
  20. Father John Misty – I Love You, Honeybear: por lo irreverente. Sería el álbum que ha venido a sustituir a mis The War On Drugs de last year.
  21. Jamie XX – In Colour: la mitad de The XX se defiende sobradamente solo.
  22. Empress Of – Me: nuevo talento emergente que promete.
  23. Nothing But Thieves – Nothing But Thieves: hará unos 15 días que los escucho y mucho. Thanks, Dot.
  24. Kelela – Hallucinogen: De los ultimísimos descubrimientos del año.
  25. Paul Woodford – Special Request: pues de esas perlas de remixes que escuchas una y otra vez en largas sesiones de trabajo.
  26. Björk – Vulnicura: Pues sí, me gustan los retos, me gusta Björk (léase a lo Manu Chao).

Sé que muchas listas incluyen a Julia Holter, Courtney Barnett, Drake, Floating Points, Grimes, Beach House y Sufjan Stevens, entre otros, y que seguramente, para ganarme la etiqueta de la más influencer, cool, hipster o como lo quieras llamar, los tendría que poner. Sin embargo, honestamente, los álbumes que han sacado no me dicen nada o nada nuevo. Adele y su 25 no está mal, y Honeymoon de Lanita del Rey tiene su qué pero no son redondos, así que, bonitas, sintiéndolo mucho, os quedáis también a las puertas de entrar. Y es que este año me han seducido más nuevas texturas y estilos. Y me falta muchísimo producto nacional. Muchísimo. Xoel López, todavía no te he investigado. Y del de casa, ya ni te cuento. Me han recomendado encarecidamente a Pau Vallvé. Habrá que ver.

Temas sueltos más spinneados:

Porque de haberlos haylos. Again, random order...

  1. Major Lazer ft DJ Snake & MØ – “Lean On“: Major Lazer un rato, vale, pero mucho me cansan. La canción, no obstante, es un temazo.
  2. Chairlift – “Ch-Ching“: tiene ese estilo juguetón, divertido tan característico de la banda aunque rozando el pop comercial muy buen conseguido.
  3. Vetusta Morla –Puntos suspensivos / Profetas de la mañana“: o lo que viene siendo el punto final a La Deriva.
  4. Marcus Marr & Chet Faker – “Birthday Card“: Oh my.
  5. Disclosure ft. Sam Smith – “Omen“: one of the greatest earworms of the year (con una pena de videoclip)
  6. Disclosure ft. Lorde – “Magnets“: otra pena de videoclip, además de que Caracal, el último álbum de Disclosure ha sido, para mí, uno de los grandes flops del año, aunque a A Head Full of Dreams de Coldplay se lleva la palma.
  7. Hot Chip – “Need You Now“: porque un Hot Chip siempre entra hot y bien.
  8. Lowtide – “Julia“: Joy Division meets Cocteau Twins.
  9. The Radio Dept. – “Occupied” – no tiene nada, pero me encanta.
  10. ANOHNI4 Degrees: De las perlas que comparto con tengustosdistintos.wordpress.com
  11. Free School –Good People“: quizás sea de estructura previsible, pero es lo que tiene el electropop.
  12. James Bay – “Hold Back The River” y “Let It Go“: Entiendo que haya sido una de las grandes revelaciones del año, pero entre él y Hozier, me quedo con el segundo. De ahí que probablemente no vaya al concierto.

Aquí también iría “Firestone” de Kygo, el gran hit del verano, pero me acabo de coscar que es del 2014. Oh well.

Conciertos destacables del año:

Y aquí, de todos los eventos a los que he asistido, los que merecen mención especial.

  1. U2 –Innocence + Experience Tour (Sant Jordi): El álbum en sí no está mal, pero el despliegue que se marcaron en su gran conciertazo hizo que valiera la pena la espera.u2 innocence
  2. Editors – In Dream (Razzmatazz): * sigh *P1080248
  3. Take That – III Tour (Hydro SSE, Glasgow): más que concierto, show redondo.P1030611
  4. Blaumut – El primer arbre del bosc (L’Auditori): lagrimita + subidón de espíritu. Y siguiendo reinterpretando las letras semanalmente gracias a #dillunsfotoblaumutera impulsado por El Xerrac de Blaumut en Twitter e Instagram.P1030038
  5. Damien Rice y Alt-J (Primavera Sound): lágrimas de cocodrilo con el uno, y te elevas, te vas y no vuelves con los otros.Alt-J
  6. Jamie Cullum (Cruïlla): con solo ese concierto tuve la entrada más que amortizada. Milky Chance y The Cat Empire  pusieron el resto.Jamie Cullum
  7. The Waterboys- Modern Blues Tour (Espai BARTS): muy, pero que muy entretenidos.The Waterboys
  8. Pet Shop Boys y Ellie Goulding (Way Out West, Göteborg): espectaculón lumínico los unos y profesionalidad la otra.Ellie Goulding WOW 15 (4)
  9. The War on Drugs y Beck (Way Out West): los primeros, guerreros de máxima precisión y al peque-Beck, que me lo envuelvan para regalo, que me lo llevo.Beck
  10. Blur, Goddess Flo, The Vaccines, Sting, Benjamin Clementine y Crystal Fighters (Super Bock Super Rock): sin duda alguna, el mejor festival de a los que fui este año.Blur
  11. The Frames – 25º aniversario (Iveagh Gardens, Dublín): el segundo día muchísimo mejor que el primero, todo ello muy Irish.The Frames
  12. FKA Twigs (Sónar): lo dicho, en otra vida me moveré como ella.FKA Twigs
  13. Robbie Williams (Sant Jordi y Playa del Fórum): el descaro personificado.

    Robbie Williams
    Foto: Gemma Comas
  14. Vetusta Morla (Playa del Fórum): Y ahí ya caí definitivamente rendida a sus pies.Vetusta Morla
  15. Quartet Mèlt: los descubrí en el “Oh Happy Day” de TV3 y me convencieron lo suficiente como para ir a verlos next week.

Seguro que me dejo artistas que irán apareciendo por aquí (la magia del internés). Por otra parte, puede que leer, no haya leído tanto como en años anteriores – excepto artículos de lingüística y redacciones de “mis niños”-, pero llevo un carrerón de consumo musical a las espaldas que lo compensa (o eso quiero creer). Note to self: aprender a usar Spotify comme il faut y explorar el terreno nacional. ¿Podré? A saber.

El año que viene, más.

Investigación, desarrollo e innovación: claves contra el plagio

Supongo que mi vertiente de profesora e investigadora me ha llevado a hacer un artículo de opinión de un tema serio que incluye el temido vocablo “plagio”. Esta vez, me dispongo a tratar sobre un tema que aparece con bastante frecuencia últimamente en la prensa especializada por causas judiciales (¡ahí es ná!): el uso de samples y el consiguiente plagio (o no) de obras anteriores. Léase, por ejemplo, este artículo relacionado publicado en El País.

Un sample no es más que un extracto de una o más capas o líneas melódicas de una canción anterior, modificado (o no) para usarlo en una nueva producción. Los instrumentos también se pueden “samplear” para obtener con ellos nuevas texturas o registros o incluso nuevos usos que serían impensables si se tocara el instrumento original. Wally De Backer – Gotye – lo explica de un modo muy didáctico en su documental Making of Making Mirrors (01:14 – 03:14), aunque para una muestra rápida, os recomiendo que veáis este ejemplo de abajo o, si os apetece, os deis una vuelta por whosampled.com, con miles de ejemplos.

En este artículo, no obstante, vamos a centrarnos de momento en aquellos samples que han causado más de un dolor de cabeza a los usuarios por haberlos encausado, y si realmente es este el mayor problema del panorama musical actual. El más reciente caso que conozco es del último álbum de Tame ImpalaCurrents. En este, parece ser que la canción “Eventually“, fíjate tú qué mala suerte, contiene una base rítmica al principio que coincide con la de esta canción de los 70. Por ello, Kevin Parker (Tame Impala) tuvo el susto de recibir en su bandeja de entrada un correo electrónico de los autores amenazándole con denunciarlo a menos que intentara arreglar el desaguisado por la vía legal (es decir, San Pagando) en un plazo de tres días. La reacción de Kevin Parker no fue otra que reírse de Janeiro, pues ¿cuántas veces debe haberse usado tal combinación rítmica en decenas de canciones anteriormente?

Reacción de Kevin Parker (Tame Impala) en Instagram.
Reacción de Kevin Parker (Tame Impala) en Instagram.

Otro caso muy sonado, y que me tocó muy de cerca en su momento, fue el de la falsa acusación de plagio de Gotye por el uso de un sample de “Seville” de Luiz Bonfá. Está claro que para la prensa no es lo mismo publicar o anunciar por televisión “Gotye es un pringado que tiene que pagar 1 millón de dólares por haber firmado un truño de contrato por el que le debe 70% de los beneficios de “Somebody That I Used To Know” a la familia Bonfá” que “¡Plagio, plagio! ¡Gotye, traidor, a la hoguera!“. Todo ello, claro está, en la línea del periodismo sensacionalista actual, sin consultar una sola fuente original o preguntarle al mismo Gotye, el cual, así como su management, se mantuvieron al margen de tal tormenta. Pues ya se sabe que luego siempre viene la calma y el pueblo, pobrecito él educado para ser tonto, puede que ya no se acuerde de tal (des)honra cuando sea que Gotye saque el próximo disco. El problema de Gotye fue firmar un contrato así de bondadoso con la familia Bonfá antes de saber que sería gracias a Somebody… que se haría multimillonario. Es más, si hubiera sido tan tonto de plagiar el sample sin pagar las correspondientes regalías, no hubiera interpretado la canción original en directo para luego enlazarla con “STIUTK“.

Gotye (Andrés para los seguidores de este blog) puede ser legal hasta extremos insospechados, pero tonto no es. Partamos de la base también que un sample no es plagio a la brava si al usarse, como con cualquier otra obra ajena, se reconocen las fuentes…

Álbum interior del CD de Gotye - Making Mirrors con los créditos correspondientes.
Fuente: Gotye Portugal en Twitter.

Sería una falacia defender a Parker o a Gotye, y a tantos otros que utilizan samples hoy en día, si dijera que todo está inventado (pues no, aún espero que se invente el paraguas plegable que se mantenga intacto durante más de cinco usos), pero sí que es verdad que, para mí, existe un mínimo de requisitos de investigación, desarrollo e innovación (muy así a lo Ministerial de Españistán) para justificar el uso de un sample. Es evidente que los dos compositores y productores anteriores, así como muchos otros, dedican gran parte de su tiempo a investigar en el uso de la tecnología musical actual para sus producciones propias y que, por tanto, rara sería la vez que utilizaran un sample ajeno sin antes haber analizado y valorado los pros y contras de usarlo en uno de sus temas y, por consiguiente, decidirse a pagar, si realmente vale la pena, por él. Es más, los compositores “independientes/alternativos” no suelen utilizar samples conocidos, sino que se dedican a hurgar en composiciones oscuras o tradicionales, por las que no tienen que pagar regalías. Además, no los usarían de origen, sino que les harían las modificaciones necesarias para adaptarlos a su nueva producción/composición.

No obstante, el caso de Coldplay y su “Every Teardrop Is A Waterfall, que bebe de “Ritmo de la Noche“, como también el de Future Islands, que triunfó el año pasado con “Seasons Change, que sospechosamente recuerda en su inicio al himno “Born Slippy .NUXX de Underground; o el de “Hung Upde Madonna utilizando Gimme! Gimme! (A Man After Midnight)” de Abba (y muchísimos otros que seguro que a ti, lector, te vienen a la cabeza), son otra historia. El uso de estos samples, a mi ver, tiene una clara visión comercial. Es decir, se ven claramente justificados por el afán de triunfar sin demasiado esfuerzo entre los oyentes. Si el oído está familiarizado con algo, es muchísimo más probable que un nuevo tema que recicle un sonido familiar haga que ese nuevo tema le entre muchísimo más fácilmente, casi sin esfuerzo. Del usuario del sample depende, sin embargo, utilizarlo de modo innovador y creativo, componiendo una canción de calidad que justifique la inspiración prestada (y si hace falta, pagada).

Es innegable que en todos los casos hasta ahora, a pesar del uso de samples (conocidos o no), existe una clara intención innovadora, creativa, que llega incluso a romper moldes. Es por ello que compositoras como FKA Twigs no dejan de sorprenderme, pues aunque reciclen sonidos utilizados por ella misma en temas anteriores, como es en el caso de su EP M3LL155X (“Melissa” para los amigos), Tahlia Barnett es de lejos una de las artistas más rompedoras del momento.

Otro tema parecido, aunque sin tener una materialización concreta en un sample, es el de las influencias. Hoy en día, cualquier programa de escucha en línea te ofrece una lista de “artistas parecidos” al que estás escuchando. Parecido, que no igual, cosa que es de gran ayuda para descubrir artistas que puede que no hubieras podido conocer de otro modo. Gracias a ello, escuchando a Δ (alt-J) descubrí a Everything Everything, por ejemplo. No es de extrañar tampoco que los artistas tengan influencias unos de otros. Esto ha pasado desde el principio de los tiempos. “Primero fue el verbo y el verbo era…” Vete a saber quién era el verbo… Influencias, que no imitaciones. Las influencias son también loables siempre y cuando estén justificadas y no resulten en “una clara copia de”, pues estamos ya aburridos de que salgan imitaciones de boy bands que duran dos telediarios. Como dice Glen Hansard en esta entrevista (05:12 – 05:45), está claro que él bebe de Van Morrison, Bruce Springsteen y Bob Dylan, pero al hacerlo encuentra también su propia voz, y de eso se trata.

Así pues, para mí, aunque utilicen llámalo samples, llámalo influencias, tienen mucho más valor artístico los compositores innovadores y creativos que no aquellos que, a pesar de publicar nuevos trabajos, no puedan dejar de autoplagiarse repetirse álbum tras álbum, como es el caso de Rolling Stones, Bon Jovi y, hasta cierto punto, Red Hot Chili Peppers. Todos ellos tuvieron su momento pero no han logrado mostrar un desarrollo/evolución coherente y congruente con los tiempos sino que, al contrario, o se han estancado o, en el peor de los casos, han mostrado una involución. Los salvan, en el mejor de los casos, sus directos, pues el carrerón que llevan a sus espaldas hacen que ese terreno lo dominen a la perfección, y un directo es la gran prueba de fuego de cualquier artista.

No obstante lo dicho hasta ahora, lo establecido, lo conocido, lo común, vende. Las influencias, venden. Los plagios (o no) de samples, venden. La sencillez y la repetición hasta la saciedad, gusta y, por ende, vende. Y también me aburre. Tanto, que el hecho de que las radio mainstream no cesan de poner hasta la saciedad es precisamente la razón por la que dejé de escuchar la radio comercial a diario hace años y solo me la pongo una vez al mes para estar al tanto de lo que “me he perdido” del panorama musical comercial actual. Como alternativa, Mar(ibel) sigue revistas especializadas por internet, escucha radio no comercial por Internet, se dedica a explorar por Soundcloud o Spotify según le pica y se deja recomendar. Aunque, evidentemente, esto conlleva su tiempo, pues no todo lo nuevo e innovador es bueno. Nope. También he tragado montones de principios temas de grupos horrendos o que, desafortunadamente, escapan mi entendimiento o gusto. Pero a esto a Maribel y a muchos otros les da igual porque les gusta aprender y estar al día de lo que las grandes mentes creativas, aunque no comerciales, tienen que ofrecerle de innovador al mundo. Pues con la innovación, se crea desarrollo, y con el desarrollo, investigación.

¡Feliz cumpleaños, The Frames!

Este pasado febrero un tuit de The Frames anunciando la celebración del 25 aniversario del nacimiento de la banda en su ciudad de origen el 4 de julio hizo que no dudara ni un minuto en decir: Maria del Mar, tú tienes que estar ahí. Y es que The Frames es a día de hoy uno de mis grupos favoritos – digo yo -, pues tengo en mi haber toda su discografía básica.

The Frames es un grupo de indie rock y folk irlandés fundado por el antaño cantante y guitarrista callejero Glen Hansard (de quien ya he hablado aquí) que, a lo largo de sus 25 años de existencia, ha evolucionado notablemente, ni para bien, ni para mal: ha experimentado cambios de estilos, ha tenido varios cambios en sus miembros de banda y, sobre todo, ha recabado una extensa cohorte de seguidores de todo el mundo, una representación de los cuales se hallaba en su doble fiesta de cumpleaños. Doble porque las entradas para el evento del 4 de julio en los Iveagh Gardens de Dublín se agotaron en un periquete, por lo que se añadió una segunda fecha, el 5 de julio, a la que Mar(ibel) también asistió.

The Frames

Antes de continuar, debo puntualizar que The Frames no descansa solo sobre Glen Hansard, aunque Glen sea el alma mater. Glen es Glen, con su propia carrera en solitario, aunque también vaya acompañado de los mismos músicos que en The Frames. The Frames es una banda rockera, con garra, con alguna canción de lagrimón, sí, pero su música tiene sobre todo energía y pasión rockera, mientras que Glen conserva la pasión pero es más cantautor folk.

Fiesta es la palabra que define y unifica estos dos conciertos, sustancialmente distintos el uno del otro. Para muestra, comparen la set list de ambos días aquí debajo.

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Porque ir dos veces seguidas al concierto de un grupo no es siempre mala idea. Flo, aquí sí que te tengo que decir, bonita, que te queda por aprender.

No se trataba de un evento con connotaciones nostálgicas, aunque por el escenario desfilaran gradualmente todos y cada uno de los miembros de la historia de The Frames, incluidos familiares y personal técnico, que actuaron juntos en los primeros bises del primer día (¡hubo dos!) y al final del segundo concierto. El ambiente era festivo, a la luz del largo día estival irlandés (lo que hizo que las luces solo lucieran – mala aliteración – hacia el final). El público recibió con entusiasmo a esta banda con perlas destacables como ‘Seven Day Mile‘, ‘Revelate‘ (a la que le tengo mucho cariño), ‘Fitzcarraldo‘, ‘What Happens When the Heart Just Stops‘ o ‘When Your Mind’s Made Up‘. Si habéis visto la peli Once, puede que digáis, “¡uy, las dos últimas me suenan”, ¡si la última hasta sale en el trailer! Pues sí, pero ese es un rollo largo de explicar que ya trataré algún día de estos.

El primer día, no diré que no, se me hizo un pelíiiiiiiiin laaaaaaargoooooo, pues me esperaba un concierto “à la Glen”, es decir, lleno de anécdotas de Glen con las consiguientes (son)risas que crean. En vez de eso, nos encontramos ante 2h30′ de música non-stop, con desfile de todos y cada uno de los miembros anteriores de la banda (ver en set list), presentados muy brevemente, y una retahíla de covers, algunas de ellas un pelín demasiado “adueñadas”. No obstante, como era de esperar, tuve mis momentos de subidón seguidos de lagrimón corriendo por mis mejillas, esta vez, con ‘Headlong‘, cosa que me sorprende, porque me gusta pero tampoco me emociona normalmente.

Fue un buen concierto, en el que sonaron los “must” que todos esperábamos y en que pudimos apreciar cómo un simple cambio en el baterista del grupo puede hacer que una banda tome un color destacablemente distinto. La complicidad entre todos los miembros del grupo, actuales y pasados, se percibía en el aire, y disfruté especialmente con los diálogos musicales y gestuales entre Hansard, el bajista y voz Joe Doyle y el baterista actual Graham Hopkins. Aunque el resto de músicos estuvieron también excepcionales, entre esos tres andaba el juego, por supuesto, bajo la atenta mirada del violinista Colm Mac Con Iomaire y el guitarrista Rob Bochnik.

El segundo día, un poco más breve (aunque no bajara de las 2h10′), con más diálogos y muchas más risas, el ambiente era aún más festivo si cabe (de ahí el espontáneo ‘Happy Birthday‘ de los asistentes). Pude sentir, además, lo que es realmente asistir a un concierto al aire libre en Dublín, lluvia incluida. ¡Ja! El público parecía un poco más suelto, más danzarín (y algunos un poco más pesados…). Aunque Noreen O’Donnell (la única ex-miembro femenina) estuviera a la merced del siempre imprevisible Glen Hansard, que le salió con, parece, un cambio en el set list que la pilló en bragas desprevenida, estuvo incluso más estupenda que el primer día, mucho más suelta y comunicativa.

Así pues, The Frames, con un cuarto de siglo a sus espaldas, encontraron el segundo día ese punto ideal en que el público pudo volver a casa (o en mi caso, al hotel) con la alegría de haber participado en un concierto en que celebración por todo lo alto era lo que se respiraba en todo el recinto.

Feliz cumpleaños, The Frames, y ¡a por otros 25!

Y ahora que no me lee nadie, la próxima vez, a ver si los puedo ver en la legendaria Vicar St. Ssssssshhhhhht.

Galería de fotos 4/7/15

Galería de fotos 5/7/15

‘El primer arbre del bosc’ de Blaumut floreix a L’Auditori

Després de fer sortir el primer brot el dia 17/3 a FNAC I’lla Diagonal, Blaumut va fer florir la gira de presentació d’El primer arbre del bosc el proppassat dijous 26 de març, novament a la Ciutat Comtal. En un Auditori amb gran assistència de públic, els blaumuters i blaumuteres d’eixe món van poder gaudir d’un repàs extensiu del que, certament, és l’àlbum de consolidació de Blaumut entre el públic català. I qui sap, si algun dia, del infinito y más allá. Here’s to wishful thinking. De moment, el número 1 a iTunes España la setmana del llançament de l’àlbum no hi ha qui els el tregui. I és que aquesta formació eclèctica de músics de tall pop, cançó d’autor i clàssic han sabut trobar el punt de fusió perfecte que confirma que el seu èxit amb “Pa amb oli i sal” i “Bicicletes” va més enllà de convertir-los en flor d’estiu.

Com definir aquest segon àlbum? Si “poesía eres tú“, que escrivia G. A. Bécquer, El primer arbre del bosc són 13 “tus” que despleguen l’imaginari Blaumut (no en va “imagina” és un verb recurrent en les seves composicions) de tal manera que és inevitable deixar-se perdre pel bosc cap al “vuit, que és l’infinit”, mentre passem “pàgines en blanc” de camí cap a “Amsterdam”. Que no vol dir res i vol dir molt alhora. Serien aquests i molts altres bocins de metàfores i dolces melodies el que faria que l’Auditori s’envoltés de màgia musical durant una hora i mitja llarga. Una màgia amb intervals de diàlegs entre els components del grup i col·laboradors que des d’aquí reivindiquem. Ens agraden i en volem més. Tenir ja dos àlbums no ens val com excusa per fer callar en Vassil Lambrinov (violí) i companyia.

Vassil Lambrinov, que a més de tocar i cantar, xerra. Quan el deixen. O si el deixen.
Vassil Lambrinov, que a més de tocar i cantar, xerra. Quan el deixen. O si el deixen.

Ben puntual, el piano de Dani Espasa, col·laborador que repeteix experiència blaumutera, va encetar el concert amb “El primer arbre del bosc“, el primer single, que va donar pas a un concert que va delectar el públic assistent des del primer moment. Un públic disposat també a col·laborar perquè el bosc d’arbres blaus que alguns portàvem de casa o, en el seu defecte, que havíem rebut de mans dels promotors més actius a les xarxes socials del Fan Club Blaumut, prengués forma d’arbrada que voleia “com antenes a les mans”. Al mateix temps, un fil de llum blanc lunar anava i venia com “un pèndol a la mà”. Llàstima que li fés el relleu una llum rogenca tirant a minsa que va deixar l’escenari un pèl massa a les fosques breument.

I de sobte, màgia. La màgia de la veu del Xavi de la Iglesia, les consonants nasals del qual en directe prenen un protagonisme diferent al dels enregistraments sonors. La màgia de les lletres que es despleguen poc a poc, com aquell qui no vol, i que t’endinsen en l’imaginari Blaumut. La màgia dels instruments de corda i la percussió que fan que a vegades els esforços invertits en un concert de pop comercial i rimbombant quedin ridículs al costat d’una posada en escena tan seriosa i senzilla com efectiva.

Xavi de la Iglesia, la veu de les lletres.
Xavi de la Iglesia, la veu de les lletres.

Els cinc membres de Blaumut, acompanyats del pianista Dani Espasa així com de Carlos Montfort a la guitarra, van centrar el seu repertori en el seu segon àlbum, com era d’esperar. Potser sí que hi van faltar alguns imprescindibles o greatest hits. I és que – comentari a part -, de tant en tant no hi ha res com l’anglès per a certs vocables i expressions, com l’ ‘Are you ready, Barcelona?’ de l‘Oriol Aymat (violoncel), que va arrencar més d’un i de dos somriures. Però malgrat en Carles Batalla els consideri absències “dolorosas” e “injustificables”, jo em decanto per una explicació tan simple com que es tractava del concert de presentació del segon àlbum, i que el públic sabia a què anava. O s’ho podia imaginar, per posar-ho en llenguatge blaumutià. A més, queda tota una gira per davant amb molts arbres per plantar per contrades catalanes, que de ben segur regaran amb diferents setlists depenent de com aquell dia bufi el “vent que mou el temps”. No obstant això, he de dir que l’absència de “Les 7 i quart” sí que fa una miiiiiiiiica de mal. Ara bé, posar dues joies seguides d’El turista com són “Esquimals” i “El llimoner“, i dues del darrer disc, “El Pont de l’Accademia” i “Normal” (potser la meva preferida de l’àlbum juntament amb “Cartes de l’Orient“), van aconseguir el que de moment fins ara només el gran Glen Hansard ha aconseguit que em passi en un concert: riure i al minut següent, desfer-me en llàgrimes. Llàgrimes no pas de tristesa, sinó propiciades per la bellesa del moment. Una aquí que és una mica bleda.

Blaumut a L'Auditori - 26/3/15

Altres moments especials van ser la dedicatòria de “Qui va matar el Sr. Cordills?” als companys de l’Institut Pere Vila d’en Vassil (que va fer palès que ja comença a tenir una edat) i, com no, la dedicatòria a les víctimes de l’accident d’avió de Germanwings amb “El Pont…“.  Musicalment, però, voldria fer especial menció a “Passes la pàgina en blanc“, amb molt treball de producció en la versió enregistrada i que va quedar rodona en directe, gràcies als efectes de guitarra i als cors vocals, especialment, els d’en Manel. Com no, l’anècdota del concert, a més de saber com fer que certs indesitjables membres de Blaumut al·lèrgics als gats no et vinguin a casa, va ser també la relliscada inicial amb “Bicicletes“, que el mestre Lambrinov va aprofitar per fer-nos una classe magistral exprés d’adaptacions de tonalitats als desitjos i possibilitats vocals dels cantants. Com deia l’anunci, “i si m’equivoco, torno a començar“, i un aprenentatge més que els assistents ens vam emportar.

Destacaria també les petites coreografies i canvis de posició que van permetre que l’argentí més nostrat, en Manuel Krapovickas (baix) prengués gran protagonisme a “El pont de l’Accademia”  i regalés als dels seu voltant un parell de somriures sincers, i que en Manel Pedrós (percussió) pogués momentàniament deixar a “Piano” d’estar confinat al darrera, part de l’estona tapat pel “Carlitos”. Que menys que els de Cervera puguin veure el seu fillol, i més després d’haver explicat que durant la gravació del disc, els Blaumut van viure a cos de rei gràcies a l’amabilitat de cals Pedrós!

I arribaren els bisos amb “Piano” i el “Pa amb oli i sal” que el públic ja xiulava esperant que sortissin de nou a l’escenari. Clausurant el concert amb “Tornarem a casa“, el públic va desfilar, efectivament, cap a casa, no sense tenir abans l’oportunitat de parlar amb els membres del grup, poder-se fotografiar amb ells, intercanviar impressions sobre el concert i obtenir una còpia d’El primer arbre del bosc firmada.

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Blaumut, acompanyats de Carlos Montfort i Dani Espasa.

Després de veure’ls per primera vegada com afegit d’última hora al Cruïlla 2014, on ja em van encantar, i amb la presentació a FNAC Illa Diagonal, haver assistit a aquest concert només em porta a dir que en vull més, i de ben segur que tu, lector, si vas a veure’ls, també.

Visita la galeria d’imatges del concert.

Enllaços d’interès:

*Gràcies, Fan Club Blaumut, per fer-me adonar que a vegades visc en un regreso al futuro i que el primer brot no era el 24 sinó el 17!

Glen Hansard, aka God Hansard – Rhythm & Repose tour

Divendres vaig poder gaudir novament a la sala Oriol Martorell de L’Auditori del concert de Glen Hansard, que està promocionant el seu primer disc en solitari, Rhythm and Repose.

Només tinc una frase – resum per a en Glen: When are we getting married? Va, vinga, ara seriosament, m’hi poso: Glen Hansard = God Hansard. 45′ de la supporting act, Lisa Hannigan, que canta com els àngels (l’he d’investigar) més 2h 40 of pure bliss from Glen Hansard & band (most of whom are permanent members from The Frames) amb la col·laboració especial un cop més de la Lisa.

Glen Hansard, Graham Hopkins (The Frames) & Lisa Hannigan
                           Glen Hansard, Graham Hopkins (The Frames) & Lisa Hannigan.

Joy, sadness, tears, laughter, sweetness, participation from the audience, participation within the audience… I LOVE THIS MAN. I’ve been to three of his concerts in 2 years. The last one was in London only last September but yesterday’s setlist was at least 50% different from the one in London! Nevertheless, all these concerts have prompted so many similar emotions in me that when I’m there, immersed, listening to him, I just forget about the world and just don’t want it to finish. Ever.

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